HistoriaDelTraje

Cátedra: Lic. Alfredo Marino

Edad Moderna - Manierismo - Barroco - Rococó

 

 

-Manierismo-

Llamamos Manierismo al periodo comprendido entre los años 1550 y 1600. Recuerden que siempre estas fechas tienden a ser aproximadas, en la historia observamos cambios graduales, procesos.

Una época de crísis, al debilitamiento de la fe, los ataques protestantes, grandes descubrimientos científicos como los movimientos de traslación y de rotación, las órbitas elípticas y el incremento de nuevos estratos sociales (burgueses) desprendidos de la base de la pirámide, se ve reflejado en el arte a partir del descentramiento, el desorden, el desequilibrio, la asimetría y el racionalismo que imperó en el renacimiento.

Rafael Sanzio primero, con sus escorzos, las citas(referencias a otros autores u obras), Veronese, Pontormo, Bronzino y Archinboldo entre otros generan un arte complejo, desquiciado, sensual y preanuncia al Barroco.

Rafael Sanzio, El incendio del Borgo  (1514)

El manierismo. El término manierista se ha empleado fundamentalmente con dos significados distintos, debido a que en su origen se encuentra unido al término italiano "maniera", que se aplicaba para designar a los artistas que eran meros imitadores de los grandes maestros, esencialmente Miguel Angel, Rafael y Leonardo, tanto para los que eran considerados como imitadores de una forma fría e impersonal como aquellos que incluían algún matiz creador u original.
   
Se desarrolló en Italia desde 1520 hasta finales del siglo XVI. Se empleaba por tanto la expresión "manierista" con la significación equivalente a modo o manera, y como tal los artistas que así eran designados se englobaban dentro del Renacimiento. Esta idea surgió a partir del siglo XVII, en que Bellori y otros opinaron que el manierismo era un movimiento de ínfima calidad, que se producía después del Renacimiento clásico. En el siglo XX se inició su valoración, sobre todo debido a autores como Hauser y Dvorak, que han dado forma a una tendencia dominante que considera al Manierismo como un estilo artístico, independiente y con entidad propia. Es decir, se ha pasado de una valoración peyorativa del término a una acepción mayoritaria que le define por una serie de valores intrínsecos propios. Simultáneamente a la evolución del significado del Manierismo, algunos investigadores han puesto de relieve que el Manierismo no es sólo un estilo pictórico, como en principio se consideraba, sino que además hay que extenderlo a otras manifestaciones artísticas, culturales y espirituales, como la arquitectura, la escultura, la literatura y la música. El Manierismo supone, con respecto al renacimiento clásico, un distanciamiento que se empieza a producir a partir de la fecha de la muerte de Rafael, 1520. Esta quiebra en la armonía tiene su base en acontecimientos sociales, como fue la epidemia de peste de 1522, la invasión de Italia por tropas francesas y españolas, el Saco de Roma en 1527, la ruptura en la unidad de la Iglesia con la Reforma protestante, la crisis económica provocada por la introducción del racionalismo económico, el nacimiento de la concepción científico-natural del mundo y la nueva forma de entender el patronazgo y la obra de arte.

El Manierismo ya se había iniciado en las últimas obras de Rafael y en toda la etapa final de Miguel Angel. La meta de los artistas manieristas fue la ruptura de la unidad espacial y del equilibrio: el espacio lo entendieron como diverso y por tanto con diferentes visiones. Frente al agrupamiento masivo de figuras se oponen espacios vacíos y los motivos principales pasan a situarse en un segundo plano, mientras que los secundarios adquieren una capital importancia. Dentro del Manierismo se han distinguido dos corrientes: el espiritualismo místico muy exacerbado, cuyo mejor representante es el Greco, y el naturalismo panteísta, en el que las cosas reales aparecen muy detalladas, cuyo mejor representante es Brueghel. Sin embargo estas dos tendencias no aparecen siempre separadas. El manierismo puede ser definido como el mundo de las cosas reales, enmarcadas en un espacio ficticio. Se produjo desde 1520 hasta fines de siglo, en que adquirió fuerza el Barroco, estilo con el que tendrá una importantísima diferencia: mientras que el manierismo se realiza exclusivamente para una clase social elevada, el Barroco es un estilo popular. El Manierismo además coincide con el momento de internacionalización del Renacimiento, pues será a partir de 1520 cuando Éste se extienda por toda Europa. El Manierismo es el producto de una sociedad escéptica y preocupada por el gozo y el refinamiento, sólo entusiasmada por rodearse de belleza. Las obras de este período tendrán un marcado carácter subjetivo y antinaturalista. La belleza no se descubre sólo mediante la simplicidad natural, sino creando un arte artificial en el que la naturaleza y la imitación dejan de ser el modelo y el eje de la creación artística. El ideal de belleza se forma en la mente del artista y es resultado, no de la imitación, sino de la especulación y el invento. Se rechaza la pretendida superioridad del arte antiguo frente al consciente conocimiento y destreza del artista y a su libertad creativa. (Articulo enviado por:  Felipe Vergara Lucero- bodyarquipro@yahoo.com)  Fuente: Cayetano Lucena
En   http://www.arqhys.com/articulos/renacimiento-manierismo.html

 

la madonna dal cuelo lungo

Parmigianino "La madonna dal collo lungo(1535)

 

pontormo descendimiento

"El descendimiento de la cruz" (1527) Jacobo Pontormo

 

Un interesante artista de esta época Giuseppe Arcimboldo (1527 - 1593), fue un pintor italiano, conocido sobre todo por sus representaciones manieristas del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos; esto es, pintaba representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo el conjunto tenía una semejanza reconocible con el sujeto retratado.

vertumno

Vertunmo ( c.1590) Un exuberante retrato de Rodolfo II caracterizado como el dios Vertumno

el biblitecario

El bibliotecario (c.1566, Skoklosters Slott, Suecia), obra fabulosamente imaginativa, que, con sus formas geométricas y desbordante fantasía, parece anticipar las vanguardias del siglo XX.

 

gabriel destres y su hermana

Anonimo: Gabrielle d'Estrées (a la derecha) y su hermana la duquesa de Villars (Escuela francesa de Fontainbleu. C. 1594)

alegoria

Agnolo Bronzino, Alegoría ( C. 1540)

Una posible Interpretación de la Alegoría de Bronzino

Características del manierismo por Ricardo Soto

 

-Barroco-

El estilo Barroco se extiende desde el 1600 hasta 1750, su nombre, dirivado de "barrueco" indica despectivamente una perla de forma irregular, lo "barroco" resultaba desagradable, complejo, recargado y espectacular.

La ópera es el género teatral preferido, la obra de arte total, juntos los diferentes instrumentos de una orquesta, el canto, la poesía, la arquitectura del escenario, las artes plásticas en los decorados, y la literatura.

Características del Barroco son: la línea "serpentinata", el claro oscuro, el descentramiento que impulsa al espectador a penetrar en la obra, la exageración, la multiplicidad de textos.

En la pintura se destacan:

Bernini

David de Gian Lorenzo Bernini (c. 1623)

 

Apolo y Dafne (c. 1622)

Apolo y Dafne

El primer amor de Apolo fue Dafne, hecho que no fue infundido por un pequeño azar, sino por la cruel ira de Cupido, que hendiendo el aire con el batir de sus alas y sin pérdida de tiempo, se posó sobre la cima umbrosa del Parnaso y sacó dos flechas de su carcaj repleto, que tiene diversos fines: una ahuyenta el amor, y otra hace que nazca. La que hace brotar el amor es de oro y está provista de una punta aguda y brillante; la que lo ahuyenta es obtusa y tiene plomo bajo la caña. Con esta hiere el dios a Dafne; con la primera atraviesa los huesos de Apolo hasta la médula. El uno ama enseguida; la otra rehuye incluso el nombre del amante.

 ”¡Oh, Dafne, detente, te lo suplico!, no te persigo como enemigo…

Dafne, con tímida carrera, huyó de él cuando estaba a punto de decir más cosas y le dejó con sus palabras inacabadas, siempre bella a sus ojos; los vientos desvelaban sus carnes, sus soplos, llegando sobre ella en sentido contrario, agitaban sus vestidos y la ligera brisa echaba hacia atrás sus cabellos levantados; su huída realzaba más su belleza. Pero el joven dios no puede soportar perder ya más tiempo con dulces palabras y, como el mismo amor le incitaba, sigue sus pasos con redoblada rapidez. El que persigue, ayudado por las alas del Amor, es más veloz y no necesita descanso; ya se inclina sobre la espalda de la fugitiva y lanza su aliento sobre la cabellera esparcida sobre la nuca. Ella, perdidas las fuerzas, palidece y, vencida por la fatiga de tan vertiginosa fuga, dijo: “Auxíliame, padre mío, si los ríos tenéis poder divino; transfórmame y haz que yo pierda la figura por la que he agradado excesivamente”.

 

Apenas terminada la súplica, una pesada torpeza se apodera de sus miembros, sus delicados senos se ciñen con una tierna corteza, sus cabellos se alargan y se transforman en follaje y sus brazos en ramas; los pies, antes tan rápidos, se adhieren al suelo con raíces hondas y su rostro es rematado por la copa; solamente permanece en ella el brillo. Apolo también así la ama y apoyada su mano en el tronco, todavía siente que su corazón palpita bajo la corteza nueva y le dice: Ya que no puedes ser mi esposa, serás en verdad mi árbol; siempre mi cabellera se adornará contigo. ¡Oh, laurel!, tú acompañarás a los capitanes del Lacio cuando los alegres cantos celebren el triunfo y el Capitolio vea los largos cortejos.

El Extasis de Santa Teresa (1647-1651)

 

El análisis que se ofrece a continuación fue

 

Extraido de: El señor del biombo (en línea) En: http://seordelbiombo.blogspot.com.ar/2012/03/analisis-y-comentario-del-extasis-de.html

Recuperado: 25 de marzo 2012

se recomienda visitar el sitio.

Agradecemos al Licenciado Vicente Camarasa

 

Grupo escultórico realizado en mármol blanco por Bernini entre 1645 y 1652 para la Capilla Cornaro de Santa María de la Victoria de Roma.

 

Tema. La obra representa el éxtasis o transververación de Santa Teresa basado en sus propios escritos. Según ellos, en un arrebato místico, sintió cómo un ángel se le aparecía en sueños y le atravesaba el pecho con una flecha de amor divino que le provocó una sensación de dolor y gozo simultáneo que la dejó desfallecida y suspendida en el aire, levitando sobre las nubes.

El tema es típico del Barroco, tanto por su idea propagandística y visual de la emociones religiosas, como por su actualidad, pues Santa Teresa había sido canonizada en 1622 (en este tiempo la Iglesia, adoptando una postura triunfante, prodiga las canonizaciones). Bernini, como otros autores, se hace eco del hecho y, utilizando la propia bula, crea una nueva iconografía endonde buscará transmitir, de forma emocional, el concepto abstracto del éxtasis para hacerlo entendible por el pueblo.

Tipología. La obra supera propiamente lo escultórico para convertirse en un verdadero escenario en donde se mezcla arquitectura, escultura, pintura y luz. La capilla, de forma cuadrada, tiene en sus dos paredes laterales sendos relieves que representan a miembros de la familia Cornaro. Se asoman a una especie de palco teatral desde el cual observan el milagro.

Disponible en línea: http://seordelbiombo.blogspot.com.ar/2012/03/analisis-y-comentario-del-extasis-de.html

cornaro

Al fondo se encuentra el grupo principal, encerrado en un altar de formas curvilíneas. Sobre él se encuentra, pintado y con nubes de estuco, una representación de la Gloria en la que se abre un gran ventanal que derrama luz cenital sobre la capilla. El espectador entra, de esta manera, dentro de la obra, es rodeado e incluido en ella, tomando un papel activo. Bernini concibió todo el conjunto desde ese punto ideal que ocuparía el fiel, controlando de esta manera su visión.

terea

El material de la escultura es mármol tallado con postizos (varas de madera dorada)

Composición. En lo que se refiere al grupo central, el autor consigue transmitirle un fuerte dinamismo a través del cruce de diagonales, formando un aspa. Se puede observar la línea imaginaria que va desde la cabeza del ángel hasta el pie de la santa, cruzándose con otra generada por el cuerpo recostado de Santa Teresa. Globalmente resulta un grupo abierto en el que el movimiento del ropaje contribuye a transmitir la agitación del momento, acentuada, además, por la sensación de inestabilidad provocada por la falta de apoyo de los personajes, suspendidos en el aire.

 

Además de todo lo ya dicho, es importante comprobar la sensación de movimiento que genera la actitud del ángel que, con su flecha, mirada, y el gesto de levantar el ropaje, nos lleva en la dirección de la acción, hacia el cuerpo de la santa.

El modelado, como era habitual en Bernini, juega un importante papel en la escultura, siendo la luz controlada. Dirigida desde la zona superior (luz cenital), se derrama y envuelve toda la escena, creando un verdadera sensación de aparición milagrosa al espectador. En función suya se colocan los rayos de madera dorada que acentúan lo anterior, sirviendo, además, como simbolismo de lo divino.

Por otra parte, esta luz incide y resalta la superficie sumamente quebrada de paños y nubes, salpicando la composición de zonas de sombras que contrastan con otras de intensa vibración lumínica. Su relación crea unintenso pictoricismo que huye de lo volumétrico a favor de aspectos visuales.

Bernini consigue en esta obra llegar a un verdadero virtuosismo a la hora de tratar las distintas superficies esculpidas, dándonos un verdaderomuestrario de texturas, blandas en las carnes, duras y lisas en los ropajes de la santa, sutiles y pegadas al cuerpo en los del ángel, rugosas en las nubes.

Esta diferenciación de texturas la realiza a través de un mayor o menor pulido de las superficies, lo cual influye en el comportamiento que tendrá el material frente a la luz, absorviéndola en sus irregularidades (nubes) o haciéndola rebotar en las zonas más acabadas (carne).

De esta manera el material se vuelve dúctil, llevando la técnica de su admirado Miguel Ángel hasta un punto de difícil superación.

Las figuras. Dado el tema, un éxtasis, y la intención de comunicación del estado anímico, la expresión cobra en la escultura una profunda importancia.

Bernini logra, a través de diversos recursos, transmitir los sentimientos expresados por la santa. Por una parte, el rostro, con los ojos cerrados y la boca entreabierta, unido al estado de desmayo lánguido que nos revela la mano, están inspirados directamente en gestos del amor físicocargando de un fuerte erotismo la escena. Se intenta, de esta manera, traducir al espectador las sensaciones del éxtasis, como también era frecuente en gran parte de la literatura mística (San Juan de la Cruz).

Frente a este estado de pérdida, la fuerte expresividad de los paños flotantes de la santa consiguen comunicar de forma plástica la turbación y agitación del momento, haciendo desaparecer bajo ellos el cuerpo, como si su corporeidad, en este momento cumbre, se deshiciera en un puro temblor.

En contraste con su fuerte expresividad, el ángel, su mirada y gestos suaves, sus paños de pliegues finos, ofrecen el conveniente contrapunto de serenidad que acentúa, aún más, el estado de la santa.

COMENTARIO.

En esta obra logra Bernini uno de los más acabados y representativos ejemplos del arte barroco, entendiéndolo desde su punto de vista másemocional y propagandístico de la nueva religión contrarreformista.

Por una parte, rompe con la tradicional separación de las artes, utilizando y entremezclando distintas técnicas (pintura, escultura, arquitectura, iluminación) con el objetivo de crear, más que una obra aislada,un verdadero ambiente en donde sumergir al fiel, como si se tratara de un teatro.

 

Este carácter escenográfico juega un importante papel en el autor y su tiempo, utilizándolo como fórmula de acercamiento y convencimiento al fiel, de la misma manera que se realizaba en los grandes techos pintados por Pozzo que convertían a la iglesia en un escenario de lo milagroso y sobrenatural.

Por otra, en Bernini siempre se advierte una fuerte tendencia por dirigir la mirada del espectador, haciéndole moverse por recorridos planificados que den un punto de vista concreto y querido por el autor en donde todas las cualidades plásticas de la obra son las más adecuadas. Semejante técnica utiliza en sus actuaciones urbanísticas, como la Plaza del Vaticano. La obra artística, para un mejor cumplimiento de sus fines, se piensa y realiza en función de quién la contempla, alejándose del carácter autónomo de la escultura del Renacimiento.

En relación con esta característica, y siendo fundamental a la hora de dar emociones y convencer, Bernini controla y dirige la luz que hace desaparecer las fronteras entre las distintas artes para generar el ambiente ya citado (como ya vimos en San Andrés del Quirinal). Común en la época, piénsese en Caravaggio, su luz no busca, sin embargo, contrastes excesivos. Por el contrario, Bernini no le da la importancia central en la obra, y prefiere una luz suave y cenital que busca efectos pictóricos en sus esculturas, salpicándolas de claroscuros.

Su efecto se acentúa aun más a través de las distintas texturas que confiere a su obra. Aprovechando su virtuosismo técnico, y ya desde el comienzo de su carrera (véase el grupo escultórico de Apolo y Dafne), el escultor intenta comunicarnos a través de ellas los distintos tactos y calidades de los objetos, conocidos a través de la mirada, dando un mayor grado de naturalismo a las escenas que contribuye a acercarla al espectador y hacer convincente su mensaje.

De la misma manera funciona el perfecto tratamiento de las anatomías que el artista domina y aprovecha, además, para cargar las posturas y sus gestos de una profunda expresividad. Gracias a ella se transmiten los sentimientos de las figuras, sus emociones, empleando con liberalidad los gestos teatrales (bocas abiertas, manos gesticulantes) que se potencian con las composiciones abiertas (en aspa) e inestables, y con el movido tratamiento de los paños (paños flotantes) que se agitan y subrayan los distintos estados de ánimo. De esta manera, Bernini consigue llevar a su término lo que en Miguel Ángel (basándose en el Laoconte, al igual que Bernini) aún se encontraba contenido, lanzando su famosa terribilitá hacia el exterior, comunicándola a través del lenguaje corporal de unas esculturas de perfil abierto y lanzadas hacia el espectador.

Por último, y en relación con lo anterior, la propia elección del tema y el momento representado son sumamente significativas. El éxtasis y otros estados de tensión y cambio son bastante frecuentes en su obra, como puede observarse en una de sus últimas producciones, la escultura de la beata Albertona. En todos ellos busca la representación del momento de mayor tensión en donde los conflictos se encuentran en plena efervescencia.Esta instantaneidad le permite forzar al máximo la expresividad y dotar a sus esculturas de unas emociones llevadas al límite.

 

En este sentido Bernini se nos muestra plenamente consciente delnuevo valor didáctico que tendrá la imagen en el Barroco, puesta al servicio y propaganda de los grandes poderes de la época, en especial, en Italia, el de la Iglesia Católica, triunfante y militante, que había surgido del Concilio de Trento y estaba siendo extendido por la recién fundada Compañía de Jesús.En dicho Concilio se buscó un arte que conmocionara al espectadorenseñándole de forma emocional (como también haría Caravaggio o la imaginería española) y teatralizando las escenas para hacerle participar deforma activa frente al elitismo anterior del Renacimiento.

 

Su influencia será inmensa en toda la escultura posterior, tanto barroca(aunque en España entrará tardíamente, hacia finales del XVII) comoneoclásica (Cánova) o de Rodin. Muchas de sus características serán, incluso, recogidas por la pintura, como el caso de Rubens.

 

Extraido de: El señor del biombo (en línea) En: http://seordelbiombo.blogspot.com.ar/2012/03/analisis-y-comentario-del-extasis-de.html

Recuperado: 25 de marzo 2012

se recomienda visitar el sitio

 

Fuente de los Cuatro Ríos (1651)

 

La escultura de la Fuente de los Cuatro Ríos, se encuentra en la Piazza Navona de Roma, ideada y tallada por el escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini en 1651. Las estatuas que componen la fuente son los cuatro ríos principales de La Tierra (Nilo, Ganges, Danubio, Río de la Plata).

 

 

 

 

 

baldaquino

El Baldaquino, en San Pedro, altar donde el Papa celebra la misa

(1624.1633)

El Baldaquino de San Pedro (1624 - 1633) se encuentra en el Sacro Altar Pontificio, en la nave central de la Basílica de San Pedro. Por encima exactamente a 90 grados se encuentra la Cúpula de Miguel Ángel.

Diseñado y construido por Gianlorenzo Bernini, cubre la tumba del Apóstol San Pedro, recordando las palabras de Jesucristo: "Tú eres Pedro y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia". La necrópolis petrina se encuentra debajo del complejo basilical, y, cuando el emperador romano Constantino mandó construir la primera basílica, ordenó que el altar estuviese sobre la tumba del Santo Apóstol.

Básilica de San Pedro en el Vaticano (1506-1626)

Arquitectos de la basílica

  • 1506: Bramante, en colaboración con Giuliano da Sangallo.
  • 1514: Rafael Sanzio, en colaboración con Giuliano da Sangallo, que fue reemplazado por su sobrino Antonio da Sangallo el Joven en 1515, y Fray Giocondo hasta su muerte ese mismo año.
  • 1520: Antonio da Sangallo el Joven, con su colaborador Baldassarre Peruzzi hasta 1527.
  • 1546: Miguel Ángel.
  • 1564: Pirro Ligorio y Jacopo Barozzi da Vignola.
  • 1573: Giacomo della Porta con Domenico Fontana.
  • 1603: Carlo Maderno.
  • 1629: Gian Lorenzo Bernini.

 

Plaza de San Pedro (1656) Bernini

ver: http://enciclopedia.us.es/index.php/Plaza_de_San_Pedro_(Vaticano)

 

San Pedro en 3D

 

Velazque es un imprtante exponente del Barroco Español. Podemos observar en sus obras las caracerísticas plenas del movimiento: el descentramiento, la utilización del claroscuro, la teateralidad, el simulacro.

las meninas

Las meninas (1656) Diego Rodríguez de Silva y Velázques

 

 

Este video de Arte Historia analiza la obra, podemos observar como en él se da cuenta de algunas de las caracteristicas más arriba descritas.

 

La Fábula de Aracne, Las Hilanderas (1657) de Velázquez, D.

 

Caravaggio, la pintura Barroca Italiana por Ricardo Soto

Películas a tener en cuenta para este período

Caravaggio (1986) Jarman, D.

La Misión (1986) Joffe, R.

-Rococó -

Estilo absolutamente aristocrático, hemos visto en clases, es aquel que representa los valores de la sociedad francesa a la muerte de Luis XIV. Lujo, frivolidad, galanura, son los temas que caracterizan sus obras , se extiende aproximadamente desde el 1750 hasta la caida de la monarquía de Luis XVI durante la revolución francesa.

Colores luminosos, claros y suaves , tendencia en la pintura a los pasteles, formas inspiradas en la naturaleza, la mitología y la exaltación de la belleza femenina, lejos está de representar temas religiosos.

Ejemplos que vimos en clase, junto con las esculturas típicas de porcelana:

Fragonard "El columpio"

 

Francois Boucher

 

Bustelli

 

El arte Rococó

Películas que se deben tener en cuenta: María Antonieta de Sofia Coppola, 2006 - Las relaciones peligrosas de Stephen Frears, 1988.